艺术 发表评论(0) 编辑词条

艺术
艺术的本质就是通过某种特定的媒介符号如绘画、诗歌、音乐、舞蹈、小说、戏剧等来反映和描述事物及其价值关系的运动与变化过程，从而对人的情感、知识和意志进行交流、诱导、感化和训练。

艺术是一种很重要、很普遍的文化形式，有着非常复杂而丰富的内容，与人的实际生活密切相关。艺术作为一种精神产品，具有无限发展的趋势，并在整个社会产品中占有越来越大的比重。艺术价值是很重要的精神价值，其客观作用在于调节、改善、丰富和发展人的精神生活，提高人的精神素质（包括认知能力、情感能力和意志水平）。 艺术的欣赏就是人对艺术品的价值进行发现和寻找，是欣赏者、创作者及表演者之间的情感交流与情感共鸣。在艺术欣赏过程中，作者或表演者用动作、色彩、声音以及言词把自己所曾经体验过的感情表达出来，以感染观众或听众，使别人体验到同样的感情。艺术欣赏所产生的情感从表面上看具有超功利性，但它不是对功利性的否定，而是对功利性一种更为广泛、更为深刻的肯定。

艺术的价值内容可分为三个层次：物（价值物）、境（价值关系）、理（价值规律）。艺术所产生的精神境界也可分为三个层次：最浅的艺术境界是模写，它是用直观感觉和相对独立的思维来反映现实的价值物；第二层艺术境界是联想，它是用联系的观点、整体的观点来反映价值物之间的联系；最高的艺术境界是抽象，它是用理性的、辩证的观点来反映价值事物的内在规律性。

艺术的形式根据它所使用的物质媒介可归结为“言”、“声”、“象”：言是指文学语言，声是指声音，象是指感性的视觉形象。绘画就是通过色彩、线条描绘具体的可感知的形象来表达感情；诗人把许多抽象无形的东西比喻为现实生活中可感知的景物形象，使读者理解和感受到诗人所体验到的感情；音乐是通过音阶、音调与和声来反映人的现实生活和情感世界；舞蹈是以人体的姿态动作来展示某种价值事物及其情感反映。

艺术具有三大功能：生理功能、心理功能与精神功能。
１、生理功能。由于艺术品不同的色彩、音调、布局、动作设计可以使人产生不同的生理反应，优秀的作品往往能够有效地运用某些自然规律和人的生理规律对艺术作品的基本要素进行合理设计，使之产生最佳的生理效果，使人在欣赏过程中得到充分的放松与休息，使人在生活和工作过程中所产生的生理紧张和肉体疲劳逐渐得以消除。
２、心理功能。人在生活和工作过程中，通常会产生某种心理压抑，如果心理压抑得不到正常的发泄，就可能产生某种心理障碍和心理疾病，甚至酿成严重的心理变态或人格分裂，如果能量积滞过大，会引发不合社会规范的、反社会的发泄方式，造成巨大的社会破坏。艺术欣赏能够给人提供合乎社会准则和要求的心理压抑的发泄机会，以实现人的心理平衡。艺术欣赏还有利于提高人的心理承受能力，因为艺术作品如果表现和反映了社会价值关系的巨大变动，通过认同与共鸣，可以引发欣赏者强烈的情感波动，使欣赏者经历巨大的心灵痛苦和折磨，从而对欣赏者进行了一次次情感锻炼。此外，艺术欣赏还可以提高和增强人的情感的细腻性、敏感性和灵活性。
３、精神功能。高雅艺术作品往往表达了人的高尚信念与可贵品质，而这恰恰直接或间接地体现着社会的整体利益和长远需要，隐含着对人间真善美的高度赞扬和对假恶丑的深刻揭露和无情批判。高雅艺术作品通常可以加强人的社会责任感和道德良心，消除人的冷漠与封闭，激发人的生命活力和进取心，开阔人的心胸与眼界，树立人的崇高理想，净化人的心灵，升化人的人格，提高人的意志力与自信心。人与人的利益关系本来就存在种种隔阂，有着太多难以启齿的隐情，无法进行自由的宣泄，艺术使人成为某种交流活动或集体仪式的参与者，从而起到沟通人的思想，深化人的友谊的作用。此外，艺术欣赏还可以看作是一种智力训练，用以提高人的智力水平。

在不同的社会历史时期，人的价值关系有着不同的基本特性，用以反映时代价值关系的时代艺术也将表现出不同的基本特性，从而产生不同的艺术思潮和艺术流派。
（一） 原始艺术与现代艺术
原始艺术具有生硬性、纯真性、力感性和野性，这既是因为原始价值关系通常是低级、粗浅、简单、直接和本能的，又是因为当时人的认识能力非常有限，只能采用粗浅、简单、直接和机械的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。
现代艺术具有高级性、细腻性、复杂性和理智性，这既是因为现代的价值关系通常是高级、深刻和复杂的，又是因为人们的认识能力不断提高，可以采用高级、深刻、复杂和辩证的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。
（二）现实主义与浪漫主义
现实主义就是以事物的存在状态为基本视点，来观察和分析事物的运动与发展变化规律；浪漫主义就是以事物的联系状态为基本视点，来观察和分析事物的运动与发展变化规律。这两者有着不同的侧重点：前者重视现实状态，后者重视联系状态。
现实主义通常着眼于事物的具体性和特殊性，只能认识具体的、个别的事物，不能认识抽象的、普遍的事物。浪漫主义通常着眼于事物的抽象性和普遍性，并对事物进行抽象和归纳处理，各种浪漫主义艺术形象具有一定程度的自主性和随意性，它撇开现实生活的具体形式、具体内容，而不受具体逻辑条件的约束，把一些粗俗的、低级的东西忽略掉，揭示人类心灵深处最深刻和最富暗示性的东西，使艺术创作变成一种创造性的冒险历程。
在原始社会，人的生存完全依赖于自然环境，人只能被动地适应世界，人的价值关系是简单而稳定的，只需要通过直观感觉就可以反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的存在状态为基本视点的现实主义。随着社会生产力的发展，人对于自然环境的直接依赖性逐渐减弱，人不仅能主动地适应世界，而且能积极地改造世界，人的价值关系发展成为复杂的、多变的价值关系，需要通过逻辑思维才能准确地反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的联系状态为基本视点的浪漫主义。
当社会处于快速发展状态时，人的价值关系也处于快速发展之中，这时浪漫艺术较为流行；当社会处于相对稳定状态时，人的价值关系也处于相对稳定之中，这时现实主义艺术较为流行。不过，艺术的发展与它所反映的价值关系的发展往往是不同步的，通常要滞后一段时间，因此艺术的思潮和流派通常要相对滞后于它所反映的价值关系的发展步伐。

艺术有许多具体形式，每一种艺术形式对应着反映某种特定的价值关系。
（一）小说与散文
小说的价值本质是以时间为序列、以某一人物为主线，非常详细地、全面地反映社会生活中各种角色的价值关系（政治关系、经济关系和文化关系）的产生、发展与消亡过程，非常细致地、综合地展示各种价值关系的相互作用，其中爱情小说的价值本质是反映两性之间恋爱、婚姻与家庭关系的演变过程。
散文的价值本质是以某一事物（包括人、物及事件）为主线，较为粗略地、单方位地阐述该事物的价值关系及其变化过程，较为突出地表达作者对该事物的看法、评价、联想、抒情及寓意。
小说与散文的作者必然有意无意地把自己的价值观念与价值标准灌入其中，或多或少地向读者敝开自己的心灵，注入自己的热情，倾诉自己的衷肠，刻画自己的性格，描述自己的人生，只有当作者的价值观念与价值标准同时代的脉搏相吻合、同大众的呼吸相联系，才会在读者心中激起强烈的共鸣。
（一） 绘画与雕刻
绘画的价值本质是以色彩、线条、阴影等要素在平面上造型，用以反映图像所表达的事物的价值关系。雕刻的价值本质是以色彩、线条、阴影等要素在立体上造型，用以反映雕像所表达的事物的价值关系。只有当绘画与雕刻作品所反映的价值关系迎合人们的心态、符合时代的需要，才能得到社会的赞许。
各个门类的艺术都有自己的艺术语言及其组织结构，绘画的艺术语言主要是色彩、线条、光的明暗，其组织结构有构图、安排、布局等，分别反映着特定的主观情感或客观价值。
1、构图。构图的尺寸、对称性、均衡性和节奏感等反映着一定的主题思想。均衡与对称容易突出重心，并给人以平稳的感觉，非对称与非均衡给人以无限变化的感觉。横向线条的构图给人以安闲、和平和宁静的印象；斜线的构图表现一种激烈运动和不稳定的感觉；金字塔形的构图暗示稳定、完整、安全、牢不可破的感觉；螺旋形的构图表明剧烈运动；锯齿形的构图包含着痛苦、紧张、困难险阻；“V”字形的构图表示不稳定、危险；圆形的构图给人以圆满、完美、和平、宁静。
2、色彩。不同的色彩可以表达不同的价值关系：黄色是所有色彩中最能发光的色彩，是一种突出发展的色彩，它的正面涵义有爱情、崇高、光明和宁静，它的反面涵义有怀疑、藐视、缺乏理智等；红色是一种突出变化的色彩，它使人联想到火、血、革命，它的正面涵义有庄严、兴奋、革命，它的反面涵义表示恐怖等；蓝色是一种突出平静的色彩，蓝色是收缩、内向、冷淡的色彩，它的正面涵义有信仰、清凉、平静等，它的反面涵义有抑郁、恐怖与灭亡等；绿色是一种突出生命的色彩，它介于黄色与蓝色之间，它的正面涵义有生命、新生、满足等，它的反面涵义有绝望、堕落、衰退等；紫色是一种突出神秘的色彩，它的正面涵义有虔诚、稳定、光明等，它的反面涵义有沮丧、迷信、恐怖等；白色是一种突出单调的色彩，它的正面涵义有纯洁、庄严、隆重等，它的反面涵义有罪恶、恐怖、哀悼等。
黑与白是清晰对比色，黄与紫是明暗对比色，蓝绿与红橙是冷暖对比色，对比色之间可以形成强烈对比，使人产生一种力量的对立感与界线的鲜明感。红与绿、黄与紫、蓝与橙是互补色，用以引发和满足人的平衡感；色彩的调和可分为两色调和、三色调和、四色调和和六色调和，色彩的调和意味着力量的平衡与对称，使人产生一种和谐感与安全感。
光线可以表现物体的立体感、轮廓和空间，可以润饰人像，使人显得年青或苍老、美丽或丑陋；可以使环境显得温暖、舒适或寒冷、简陋，也可以使环境变大或缩小；可以强调重点内容，突出主要人物。
（二） 音乐与歌曲
音乐的价值本质是以声音的音调、音阶、节奏及旋律等要素在音响空间进行有序组织，用以概略地、抽象地反映事物的价值关系。歌曲的价值本质是在音乐的基础之上配合以语言，用以更详细地、更具体地反映特定事物的价值关系。
音乐和歌曲的价值作用有两点：一是生理性作用，它对人的植物神经产生影响，以改善或影响人的心脏机能、呼吸频率、血压和内分泌功能，一定的音响可以诱发不自觉的神经效应，音响强度超过60分贝时，这种神经效应不再受人的自我意志的控制，使人近乎于心醉神迷；二是精神性作用，它对大脑中枢神经产生影响，激发大脑皮层的各种兴奋灶，使人产生对于相关事物的联想，从而改善或影响人的心理状态与精神状态。
（四）诗与诗歌
诗与诗歌的价值本质是以简单、精炼、富有情感、讲究韵律的语言按照一定的逻辑思路进行有序组织，用以反映特定事物的价值关系。
诗和诗歌是一种注重情感而不注重现实的艺术，即是一种注重价值关系而不注重事实关系的艺术。有些诗和诗歌表现情感十分真切和强烈，而对于客观事物的描写则十分含糊，这种含糊不是给欣赏者造成限制，而是给欣赏者提供了广阔的想象空间。诗和诗歌是断续的，小说和散文则是连续的。由于诗和诗歌在形象细节上的描述存在着明显的朦胧性、多义性和多解性，因此不能死板地进行解释，允许灵活地、多样地进行解释。写诗不能太实，读诗不能太死，追求新奇特符合诗的规律，一首好的诗或诗歌能够把话说得使人充满惊奇感、新鲜感和灵活感。
欣赏诗和诗歌是人的一种需要，它可以使人变得崇高，让人活得聪明，让人变得善良而富有同情心，引导人走出无知与愚昧。当你的内心世界处于不平衡状态时，它起一种平衡调节作用；当你悲痛的时候，它同情并安慰你；当你欢乐的时候，它与你同享；当你感到空虚的时候，它使你充实。
（五）舞蹈
舞蹈的价值本质是以一系列高度程式化和概括化的表情动作进行有序组织，用以反映特定事物的价值关系。
舞蹈以一系列身体动作来展示心灵、表达情感，它主要来自于日常生活中的情感动作和体貌姿态，并对其进行概括和提炼。经过精心选择和组织之后，舞蹈动作不再是自然的复写，而是比拟和象征性的；不再是松散的、断续的，而是富有“有机统一性”和“节奏性”的；不再象自然表情动作一样仅具有一种价值特征，而是概括体现了生活中各个层次、各个方面的多种价值特征。舞蹈动作已经完全不同于人类习惯的表情动作，它包含着一系列高度形式化和风格化的身体姿态动作，成为舞蹈的基本“词汇”，构成了特定的舞蹈语言。
（六）戏剧
戏剧的价值本质是对一系列典型的生活片断进行有序组织和修饰加工，并在舞台上进行表演，用以反映戏剧角色所拥有的价值关系。
戏剧是人类生活中那部分最活跃、最富有生命力的东西的提取物和夸张物，它浓缩了社会，浓缩了人生，浓缩了重大历史事件的发展过程。戏剧中的悲欢离合实际上就是人际间价值关系的变化过程。戏剧直接使用了人的表情、表意动作和语言，把日常生活中一切不能创造意味的东西清除掉，只留下那些饶有趣味的和高度象征性的东西，修改、强化、突出后转化为程式化的姿势语言。演员是剧作家作品的主要解释者，他不是表现自己的情感，而是表现作品角色的情感。
戏剧通常集音乐、歌曲、小说、舞蹈、绘画等艺术形式于一体，采用了高度程式化的语言、表情、动作、服饰、背景。不同的剧种因不同的地理环境、风俗习惯与历史条件而表现出不同的风格。例如，越剧显得清秀，评剧显得泼辣。昆剧是在士大夫阶层的培育下发展起来的，从而形成了词句文雅、轻歌曼舞的风格；秦腔是在农村演出条件下发展起来的，从而形成了粗犷激昂的演唱风格。
（七）书法
书法的价值本质是对文字的行与行、字与字、笔划与笔划以及每一笔划的长短、大小、走向等进行布局，用以反映某种特定的价值关系。
不同的书体可以分别显示出方劲、厚重、秀逸、精整等风格，如参差错落的草书给人以飞动之感，布局极不规则的狂草书体给人以活泼的感觉。字与字，行与行之间的布局可以显示出特有的风格，松者给人以舒放疏朗之感，紧者给人以茂密丰满之感。用润笔写成的字给人以温雅或丰腴之感；用渴笔写成的字给人以苍劲、粗犷及悲痛之感。运笔落墨准确有力，能够显示出笔法雄壮，以至力屈万夫。书法能显示一个人的性格，或间接地反映出一个人的感情状态，即所谓“文如其人”，不同书体、布局与着墨可以分别显示出一个人的雄壮与秀丽、严谨与飘逸、乐观与悲切的性格或感情状态。
（八）建筑艺术
建筑艺术的价值本质是对建筑的结构布局、形状大小、色彩光泽、材质特性、装饰点缀等进行有序组织，用以反映建筑物本身所拥有的价值关系。
歌德说：“建筑是凝固的音乐”。不同的建筑可分别表现雄伟、壮丽、尊严、肃穆、深邃、清新、雅致、纤弱、质朴、开阔等特性。
（九）影视艺术
影视艺术的价值本质是对各种境头画面进行有序组织，用以反映故事情节中各种人物所拥有的价值关系。
故事与情节不能混淆在一起。故事是事实认识的角度来反映事物的运动轨迹；情节是从价值认识的角度来反映事物的运动轨迹。对故事与情节的描述既可以采取客观视角（以第二、三人称），也可以采取主观视角（以第一人称）。其中，客观视角侧重于如实描写生活，具有较为开阔的视野，便于揭示复杂的社会生活；主观视角则侧重于作者或作品中主人公感情的抒发，具有较独特的个人视野，便于发掘人的内心世界。

1、通常认为，艺术是人类以情感和想象为特性，来把握和反映世界，表示对世界及自身，对二者关系的看法的一种特殊方式。其通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想象中实现审美主体及客体的相互对象化。通俗的说，艺术也就是人的知识、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物，是人们现实生活和精神世界的形象表现。因为人类的某些经历是难以用言词来表述的，为了表述这些深存在内心的最强烈的感情和思想，我们就使用一种称之为艺术的更敏锐、更精巧的语言。
2、艺术和科学不同，科学借助人类的理性反映客观世界的规律性。艺术借助人类的感性反映世界，包括客观和主观的世界。科学更多的是“发现”，而艺术更多的是“创造”。艺术是抛弃人类理性和信仰的感性认识。艺术是人类心里真实情感的反映。
3、虽然文学也属于艺术，但由于文学过于庞大，通常将文学单独提出，再提到艺术一般不会包括文学。研究艺术的学科是艺术学。
4、用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺、工艺等。
5、指富有创造性的方式。例如：领导艺术。
6、形状独特而美观的。

关于艺术的起源问题一直被学术界称为“斯芬克斯之谜”，这主要是因为人们对人类早期的历史和艺术方面的资料所知甚少。尽管如此，历史上的许多学者还是在这一领域进行了不懈的探索和努力，从不同的角度提出了各种关于艺术起源的学说。这些学说从不同的角度揭示了人类艺术发生的某些条件和根据，对学习艺术和进行艺术教育有着重要的价值。虽然这些关于艺术起源的学说必然涉及到人类艺术的方方面面，但其中关于美术起源问题的论述通常都是这些学说的重要方面。
1、模仿说
这是一种关于艺术起源问题的最古老的理论，始于古希腊哲学家。这种学说认为：模仿是人类固有的天性和本能，艺术起源于人类对自然的模仿。在古希腊哲学家看来，所有艺术都是模仿的产物，美术艺术如此。亚里士多德认为：“艺术模仿的对象是实实在在的现实世界，艺术不仅反映事物的外观形态，而且反映事物的内在规律和本质，艺术创作靠模仿能力，而模仿能力是人从孩提时就有的天性和本能。”继古希腊哲学家之后，文艺复兴时期的达•芬奇、法国启蒙思想家狄德罗、俄国作家车尔尼雪夫斯基等人都不同程度地继承和发展了这一学说。这种理论直到十九世纪末仍然具有极大的影响。
用模仿说作为艺术起源的动力的美学家已经不多了，因为事实上有很多现象，如人类的史前洞穴壁画是很难用模仿的冲动去解释的。但模仿说仍有它一定的价值，它揭示了人类一种比较原始的心理倾向，这种倾向与艺术是相通的。一方面，对客观事物的模仿也是一种对事物的把握方式，它使人从中看到自己的智慧和能力，从而引起人心理上的快乐和满足。另一方面，不管原始人由于什么原因创作和制作了原始艺术，这些原始艺术本身（如史前洞穴壁画上的动物轮廓）却无疑是由模仿得来的，也就是说，模仿即使不成为动因，也至少是一种必不可少的手段。正因为史前造型艺术都基于模仿的手段，我们才能认识到这些形象所模仿的原型是什么动物。我们从今天所发现的原始艺术作品中也不难看出，模仿是大部分原始艺术创作和制作的主要方法。而其它方法，如表现和象征的方法也都是从模仿之中发展演变而来的。
2、游戏说
游戏说认为艺术起源于游戏，它是包括美术在内的艺术发生理论中较有影响的一种理论，其代表人物是德国著名美学家席勒和英国学者斯宾塞，人们也因此把游戏说称为“席勒－斯宾塞理论”。席勒在《美育书简》中，通过对游戏和审美自由之间关系的比较研究，首先提出了艺术起源于游戏的观点，认为艺术是一种以创造形式外观为目的的审美自由的游戏。“自由”是艺术活动的精髓，它不受任何功利目的的限制，人们只有在一种精神游戏中才能彻底摆脱实用和功利的束缚，从而获得真正的自由。游戏说还认为，人的审美活动和游戏一样，是一种过剩精力的使用，剩余精力是人们进行艺术这种精神游戏的动力。人是高等动物，它不需要以全部精力去从事维持和延续生命的物质活动，因此有过剩的精力，这些过剩精力体现在自由的模仿活动中就有了游戏与艺术活动。斯宾塞和席勒一样，也认为游戏是过剩精力的发泄，它虽然没有什么直接的实用价值，却有助于游戏者的器官练习，因而它具有生物学意义，有益于个体和整个民族的生存。
游戏说强调了游戏冲动、审美自由与人性完善间的重要联系，对于我们理解艺术在审美方面的发生具有重要价值。它揭示了艺术发生的生物学和心理学方面的某些必要条件，如剩余精力是艺术活动的重要条件，艺术的娱乐性和审美性等，揭示了精神上的自由是艺术创造的核心，对我们理解艺术的本质是富于启发的。但它把艺术看成是脱离社会实践的绝对自由的纯娱乐性活动，且偏重从生物学的意义上来看待艺术的起因，过分强调了艺术与功利的对立，有绝对化和片面性的弊病。
3、表现说
这种学说认为艺术起源于人类表现和交流情感的需要，情感表现是艺术最主要的功能，也是艺术发生的主要动因。持这一理论的主要有英国诗人雪莱、俄国文学家托尔斯泰等，还有欧美的一些现当代美学家。在这种学说看来，原始人所有的艺术只有一个最主要的推动力，那就是他们通过各种艺术来表达他们的情感，从而促成了艺术的发生和发展。如托尔斯泰认为："艺术起源于一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人，于是在自己心里重新唤起这种感情，并用某种外在的标志表达出来。"这些外在标志就是用动作、线条、色彩、声音以及言词所表达的艺术形象，通过这些艺术形象的传达，使别人也能体验到同样的感情。这样，作者所体验到的感情感染了观众或听众，这就是艺术活动。
如果说人类的科学主要是与理性、认知相联系的话，人类的艺术就更多地是和感性、情感等联系在一起。表现和交流情感的确是艺术的一个重要特征，因此表现情感也是推动艺术发生和发展的重要心理动力。但是人类表达情感的方式是多样的，语言、情感都能表达情感，而且艺术也不仅仅是表达情感的工具，因此这一学说并不能完全说明艺术起源的全部原因。
艺术
4 、巫术说
巫术说是西方关于艺术起源的理论中最有影响、有势力的一种观点。这种理论是在直接研究原始艺术作品与原始宗教巫术活动之间的关系的基础上提出来的，最早由英国著名人类学家泰勒在他的《原始文化》一书中提出。这种观点用实用性来解释艺术的起源，认为在原始人心目中，最初的艺术有着极大的实用功利价值。按照这种理论，原始人所描绘的史前洞穴壁画中虽然有许多在我们今天看来是美丽的动物形象，但他们当时却是出于一种与审美无关的动机，即巫术的动机。如许多旧石器时代晚期的洞穴壁画和雕刻，往往是处在洞穴最黑暗和难以接近的地方，它们显然不是为了给人欣赏而制作的，而是史前人类企图以巫术为手段来保证涉猎的成功。
还有些动物身上画有或刻有被长矛或棍棒刺中和打击过的痕迹，按照巫术说的观点，这是因为原始部落有一种交感巫术的存在，原始人认为任何事物的形象与实际的该事物都有一种实在的联系，如果对事物的形象施加影响，实际上也就是对这个事物施加影响，在动物身上画上伤痕也就意味着他们在实际的涉猎当中可以顺利地打到猎物。原始东西壁画中这些身上有被刺中或击伤痕迹的动物形象，成为支持艺术产生于巫术学说的有力证据。
巫术说对于我们理解原始艺术，特别是原始美术发生的动力，以及这些艺术在当时条件下非审美的性质具有重大意义。但巫术说把精神动机视为原始艺术发生的唯一动机，忽略了隐藏在精神动机后面的动因，即人类的物质生产活动，因而也不能完满地解释原始艺术的真正起源。
“美术”这个专门名词，在中国是从“五四”新文化运动开始被文艺家和教育家普遍运用的。当时蔡元培运用"美术"这个术语时，也还包括了诗歌和音乐。其后，中国的文艺界、教育界把“美术”和“艺术”的概念逐渐分离开来，“艺术”是一切艺术门类的总称，它是用不同的形象化手段来反映自然和社会，表现人类情感的一门大人文学科，它包罗了美术、音乐、诗歌、舞蹈、戏剧、电影、书法等，也包括服饰、园林等很大的范围。而“美术”，则专门用来指艺术的一个重要分支，即视觉艺术部分。

总之，在汉语中我们有“艺术”与“美术”两个词，它们的含义不同，指称的范围有别，而在英语中却只有一个词：“art”，它既用来泛指一切艺术门类，也用来专指所有艺术门类的一个部分：美术，甚至美术中的一个方面：绘画。这便是东西方在“艺术”和“美术”两个词的含义和应用范围上的差异。
雕塑艺术，是造型艺术的一种，又称雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称。指用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。

艺术
艺术现有十种：绘画、雕塑、工艺、建筑、音乐、舞蹈、文学、戏剧、电影、游戏
为什么有好多人根本看不懂一幅艺术画的美在哪里。。而画的人才真的会理会得出感情。
对于艺术，通常可以从三个层面来认识。 第一是从精神层面，把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态，把它与宗教、哲学、伦理等并列。第二是从活动过程的层面来认识艺术，认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动，或对现实的模仿活动。第三是从活动结果层面，认为艺术就是艺术品，强调艺术的客观存在。
一般认为，艺术是人们把握现实世界的一种方式，艺术活动是人们以直觉的、整体的方式把握客观对象，并在此基础上以象征性符号形式创造某种艺术形象的精神性实践活动。它最终以艺术品的形式出现，这种艺术品既有艺术家对客观世界的认识和反映，也有艺术家本人的情感、理想和价值观等主体性因素，它是一种精神产品。
艺术与其它意识形态的区别在于它的审美价值，这是它的最主要、最基本的特征。艺术家通过艺术创作来表现和传达自己的审美感受和审美理想，欣赏者通过艺术欣赏来获得美感，并满足自己的审美需要。除审美价值外，艺术还具有其它社会功能，如认识功能，教育和陶冶功能，娱乐功能等。其中艺术的社会功能是人们通过艺术活动而认识自然、认识社会、认识历史、了解人生，它不同于科学的认识功能。艺术的教育功能是人们通过艺术活动，受到真、善、美的熏陶和感染，而潜移默化地引起思想感情、人生态度、价值观念等的深刻变化，它不同于道德教育。艺术的娱乐观念是人们通过艺术活动而满足审美需要，获得精神享受和审美愉悦，它不同于生理快感。

艺术
艺术的种类繁多，根据不同的分类标准，可将艺术分为以下一些类型：
依据艺术形象的存在方式，艺术可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。美术是一种空间艺术。依据艺术形象的审美方式，艺术可分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。美术是一种视觉艺术。依据艺术的物化形式，艺术可分为动态艺术和静态艺术。美术主要是一种静态艺术。依据艺术分类的美学原则，艺术可分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。美术是一种造型艺术。
依据艺术形象的表现方式，艺术可分为表现艺术和再现艺术。美术中既有表现性的，也有再现性的。
需要指出的是，关于“艺术”与“美术”的含义和适用范围，在东西方是存在着一定的差异的。了解这些差异，有助于我们更好地把握它们的概念和使用它们。 在西方，"艺术"与"美术"都源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于"自然造化"的"人工技艺"，泛指各种用手工制作的艺术品以及音乐、文学、戏剧等，当时广义的art甚至还包括制衣、栽培、拳术、医术等方面的技艺。到了古希腊时期，艺术的概念仍是与技艺、技术等同的，但古希腊的绘画与雕塑在公元前五世纪发展到成熟阶段时，已基本确立了一套古典美的标准，为日后艺术涵义的演变埋下了伏笔。直到文艺复兴时期，艺术逐渐与"美的"等同起来，18世纪中期，基于美的艺术概念体系方才正式建立，艺术成了审美的主要对象。今天，英语中的"art"一词仍然既作"艺术"解，又作"美术"解，它既可以用来指音乐、舞蹈、文学、戏剧、电影等其它各种艺术门类，有时又专门用来要指称包括绘画、雕塑、工艺、建筑在内的视觉艺术。在很多西方著作中我们甚至还会看到，作者所说的"art"其实仅仅就是指我们中国人所认为的美术的一部分：绘画。而他们的"the fine arts"（我们直接译作“美术”），也仍然是指诗歌、音乐、绘画、雕塑、建筑等。
“美术”这个专门名词在中国是从新文化运动开始被文艺家和教育家普遍运用的。当时蔡元培运用"美术"这个术语时，也还包括了诗歌和音乐。其后，中国的文艺界、教育界把"美术"和"艺术"的概念逐渐分离开来，"艺术"是一切艺术门类的总称，它是用不同的形象化手段来反映自然和社会，表现人类情感的一门大人文学科，它包罗了美术、音乐、诗歌、舞蹈、戏剧、电影、书法等，也包括服饰、园林等很大的范围。而"美术"，则专门用来指艺术的一个重要分支——即视觉艺术部分。
总之，在汉语中我们有"艺术"与"美术"两个词，它们的含义不同，指称的范围有别，而在英语中却只有一个词"art",它既用来泛指一切艺术门类，也用来专指所有艺术门类的一个部分——美术，甚至美术中的一个方面——绘画。这便是东西方在"艺术"和"美术"两个词的含义和应用范围上的差异。
美术是以物质材料为媒介,塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术．表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。
通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。十七世纪欧洲开始使用这一名称时 ，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。随后不久，中国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。
艺术
艺术传播即指借助于一定的物质媒介和传播方式，将艺术信息或作品传递给接受者的过程。
艺术接受即指在传播的基础上，以艺术作品为对象、以鉴赏者为主体，积极能动的消费、鉴赏和批评活动。
以往从艺术作品到艺术欣赏，大多采用简单的、直接的传播方式，传播的意义并未引起人们的关注，这主要是由于生产力水平及科技水平的局限，致使传播功能落后，未能对艺术活动产生较大的影响。而在近百年、特别是近几十年来，世界科学技术的迅捷发展对于艺术活动产生了巨大影响。电子技术、卫星技术、计算机技术等高新科技的发展以及在文化艺术领域的广泛应用，使艺术传播方式和功能获得重大进展。它不仅使影视艺术成为当今最具有大众性的艺术样式，同时也将其中许多表现形式和传播方式影响到其它艺术样式，视像技术的优越性功能得到充分的体现。艺术传播在当代艺术活动领域，已经显示出越来越重要的作用和地位，对于艺术品的传播形式、规模、速度、周期、增殖量大小，以及对于接受者的接受方式、欣赏情趣等，都具有极大的影响。
艺术的接受，包括艺术的消费、鉴赏和批评，是艺术活动的终点，也是艺术家及艺术作品内在价值获得最终实现的根本途径。艺术接受者的鉴赏与批评活动具有很强的主体性意义，它既是对于艺术作品的审美认知、诠释和创造，同时也是与艺术家的精神交流和对话。艺术接受还可以对艺术家乃至客体世界予以精神性反馈，从而实现艺术活动与社会活动的联结，使艺术活动融于人类社会活动的宏大系统中，并在其间发挥权极的作用。
是门类艺术与哲学、美学、文化学、社会学、心理学、传播学、人类学、比较学、艺术史学等相结合的学科。从艺术本质、艺术起源、艺术发展、艺术创造、艺术鉴赏、艺术传播等各个方面，探讨人类艺术发生与发展的规律，未来的走向及变化。美术传播的理论与历史研究方向更着眼于美术领域中的大众传播,研究在新媒体背景下,美术作为传播信息和传播载体的种种问题。

迄今，还没有公认的艺术分类标准。各个艺术理论的派别有不同的分类方式，在时间轴上越靠近现代的艺术分类，就越繁复而且具有争议。
一般来说，根据表现手段和方式的不同，艺术可分为
表演艺术（音乐、舞蹈等）
造型艺术（绘画、雕塑、建筑艺术等）
视听艺术（电影，电视等）
语言艺术（文学等）
综合艺术（戏剧、摄影等）
比较新的分法，则根据时空性质将艺术分为：
时间艺术
空间艺术
综合艺术
下列是常见的艺术类别
建筑、文学、音乐、戏剧、舞蹈、魔术、戏曲、曲艺、杂技、电影、电视、摄影、广播、美术、绘画、油画、中国画、水粉画、水彩画、素描、版画、木刻、水印、丝网、铜版、石版、书法、雕塑、木雕、泥塑、石雕、金属雕塑、篆刻、陶艺、装置艺术、行为艺术、人像摄影、静物摄影。

对艺术作品的“接受”——感知、体验、理解、想象、再创造等综合心理活动，是人们以艺术形象为对象的通过艺术作品获得精神满足和情感愉悦的审美活动。
1997年教育部颁发《普通高中艺术欣赏课教学大纲》，要求在高一和高二年级开设“艺术欣赏”课程
如何欣赏美术作品与雕塑
艺术欣赏，就像艺术家播下的一株花、播种、成长，开花，欣赏花的人，先看到了花的本身，是如何的娇艳、唯美，然后才闻到花的香味，往深了想，才会感叹这花从一颗小小的种子到今天的美艳，是经历了一个怎样的过程.
古希腊艺术
没有希腊艺术，就没有西方现代艺术。从唯美的《弥罗岛的唯纳斯》到强壮雄伟的多立克石柱，希腊艺术的美，像一个偶然发现的洞穴，等待着你的探险和发现.
文艺复兴时期的艺术成就
文艺复兴时代艺术作品所表现的人是一个自由的人，是一个平等的人，是一个博爱的人。它必须完成两个任务，第一个任务就是要在艺术上探索从神到人的转变，第二个任务就是要在艺术作品中二维平面上创造一个透视关系，以便展示一个三维的、立体的人.
印象派的故事
印象派艺术主张真实地表现自然界的光和色；还有重色彩、轻造型，重情感，轻理性；并且对景作画。印象派艺术聚集了一批年轻的艺术家，莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加等等，他们努力地探索着艺术发展的新路.
俄罗斯美术的故事
菲多托夫、普基廖夫和波洛夫，这些巡回画派产生之前活动的艺术家，创造了批判的现实主义艺术，他们揭露了贵族的腐朽、丑恶，反映了劳动者的贫困、苦难，在他们的艺术作品中表达了浓浓的人道主义情感.
后印象派艺术
后印象派不是印象派，而是与印象派本质不同的、在印象派之后产生的一个艺术派别。“现代派之父”塞尚《苹果与桔子》、卡拉瓦乔《水果篮》、康定斯基的《黄红蓝》，无不体现着这个新的艺术派别的根本观点——要真实地表现艺术家对客观事物的主观感受.
新印象派艺术
印象派的产生，在艺术界卷起了一股狂飙。它几乎影响到整个欧洲，甚至影响到了南北美洲。印象派创造了艺术新的辉煌，但这辉煌又突然死亡。以修拉、毕沙罗、西涅克为代表的新印象派艺术家开始对艺术进行新的探索.
达•芬奇艺术
达•芬奇是意大利文艺复兴时期的天才。他不仅是最伟大的画家，而且是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的科学家、哲学家、音乐家、工程师和发明家。时至今天，达•芬奇的地位也难以被撼动半分.
米开朗琪罗艺术
他是“无所不能的通才”，不但是“人类的艺术楷模”，而且他具有“真正合乎道德的人生观和甜美的性情”。他的生活和作品，都是世上的“典范”，他就是代表文艺复兴盛斯的米开朗基罗.
拉斐尔艺术
《椅中圣母》、《花园中的圣母》、《西斯廷圣母》、《佛利纽之圣母》，宛如一个个光泽莹润的珍珠，加上恢弘而细腻的壁画《雅典学院》这璀璨的一颗，串成了拉斐尔短暂却无比精彩的一生.
凡高艺术
凡高，他的一生就像他那比阳光还灿烂的《向日葵》一样，激情而自由。物质上的贫乏束缚不了他精神的自由，即使身体被困在精神病院里，他仍激情澎湃地创作出了《星夜空》。虽然不能被他的时代理解，但凡高的名字，会像夜空中的星星一样，璀璨而永恒。

达尔文认为,艺术可能起源于雌雄淘汰。和他持有相同观点的科学家形容,人类的绘画、舞蹈、雕塑和音乐可相当于孔雀开屏,以展示一个人是什么样的潜在好伴侣。但在其他研究者眼中,艺术能帮助人类从更多角度看待事物,它也可以是传播知识或分享经验的工具。